Berättelsen

Michelangelo

Michelangelo



We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Michelangelo (1475-1564 CE) var en italiensk konstnär, arkitekt och poet, som anses vara en av de största och mest inflytelserika av alla renässansfigurer. Hans mest berömda verk, från en hisnande portfölj av mästerverk, inkluderar taket på Sixtinska kapellet i Rom och den gigantiska marmorstatyn av David, som ligger i Galleria dell'Accademia i Florens.

Uppfattad av sin samtid som den största av levande konstnärer, var Michelangelo enormt inflytelserik på de konstnärliga stilarna högrenässans, manism och barock. Än idag fortsätter den stora människans verk att avlägsna konstälskare över hela världen de känslor han uttryckligen tänkte producera i all sin konst oavsett medium: beundran av form och rörelse, överraskning och vördnad.

Tidigt liv

Michelangelo di Lodovico Buonarroti föddes 1475 CE i Caprese, en liten stad nära Florens, Italien. Till skillnad från många andra kända artister föddes Michelangelo i en välmående familj. När han fyllde 13 år skickades han för att studera i Florens under den berömda freskomålaren Domenico Ghirlandaio (ca 1449-1494 CE). Den unga konstnären tillbringade två år som Ghirlandaios lärling men besökte också många kyrkor i staden, studerade deras konstverk och gjorde skisser. Michelangelos stora genombrott kom när hans arbete uppmärksammades av Lorenzo de Medici (1449-1492 CE), chef för den stora florentinska familjen med det namnet och en generös beskyddare av konsten. Det var i Lorenzos imponerande skulpturträdgård som den unga konstnären på egen hand kunde studera verken från antikens stora skulptörer, särskilt romerska sarkofager dekorerade i hög relief, och lära av trädgårdens konstnärliga kurator och noterade skulptör Bertoldo di Giovanni (ca 1420 -1491 CE). Michelangelo skulle senare skapa Lorenzo de Medicis marmorgrav i Medici -familjekyrkan San Lorenzo i Florens.

Michelangelo strävade efter att skapa en värld vackrare än vad som faktiskt fanns i verkligheten.

Det inflytande som dessa klassiska verk hade på Michelangelo framgår av de vridna figurerna i ett av hans första stora mästerverk, reliefskulpturen känd som Slaget om centaurer och lapiter som nu visas i Casa Buonarroti i Florens. Konstnärens upptagenhet med antiken under den första halvan av sin karriär framgår tydligt i hans verk men också i hans många avsiktliga försök att avge skulpturer som faktiskt gamla. År 1496 CE, till exempel, skulpterade han Sovande Amor (nu förlorad) som han avsiktligt åldrade för att få det att framstå som ett autentiskt uråldrigt verk och som han framgångsrikt sålde till kardinal Raffaele Riario.

Michelangelo fokuserade alltså redan på tekniken som kallas disegno där en konstnär framför allt koncentrerade sig på att försöka fånga människokroppens form, muskulatur och poser genom skisser på papper av klassiska verk som sedan förvandlades till en helt ny skulptur eller målning. Michelangelo lade också till detta konstnärliga arv en passion för att återge sina figurer med dramatiska poser och göra det i monumental skala, vilket kanske förklarar hans egen preferens för skulptur framför andra medier. Kombinationen av realistiskt utförande, storhet och dynamik skulle bli kännetecknet för mästarens verk i alla medier när han försökte skapa en värld vackrare än vad som faktiskt existerade i verkligheten.

Kärlekshistoria?

Registrera dig för vårt gratis veckovisa nyhetsbrev!

Michelangelos stora verk talade för sig själva och de som inte kunde se dem personligen kunde beundra eller studera dem i de många gravyr som gjorts.

Den ledande renässansartisten

År 1496 fortsatte Michelangelo till Rom vilket gav honom ännu fler möjligheter att studera exempel på klassisk konst och arkitektur. Det var under denna period han skapade ett annat mästerverk, Pietà (se nedan). Återvänder till Florens c. 1500 CE, var konstnären nu väletablerad och han fick i uppdrag att skapa en figur för inte mindre en plats än Florens katedral. Michelangelo fick ett massivt block av mycket uppskattad Carrara-marmor som ingen riktigt visste vad han skulle göra med. Resultatet blev ett annat mästerverk, förmodligen konstnärens mest kända skulptur av alla: David (se nedan). Nästa upp var en kock-d'oeuvre som använde färger, vilket visade att Michelangelo inte var begränsat till skulptur. Den heliga familjen målades 1503 CE och verket finns nu i Uffizi Gallery i Florens. Därefter kom ett spännande möte med stora sinnen när Michelangelo och Leonardo da Vinci (1452-1519 CE) båda arbetade med fresker i rådets sal i Florens. Ämnet för Michelangelos arbete var slaget vid Cascina, men liksom Leonardos insats här lämnades det oavslutat. Det kan bara spekuleras i vad varje stor konstnär kan ha lärt sig av den andra vid denna tidpunkt.

Michelangelo återvände till Rom för att arbeta på graven till påven Julius II (r. 1503-1513 e.Kr.), och sedan fick han kanske hans mest utmanande uppdrag - att måla taket i Vatikanstadens Sixtinska kapell (se nedan). Trots att man arbetade i stort sett ensam och ofta i ett obekvämt läge ovanpå en ställning, klarades taket anmärkningsvärt snabbt. Färdig år 1512 CE har arbetet kanske inte glädjat alla i kyrkan, men dess centrala syn på Gud bland molnen som sträckte sig ut för att röra Adams finger har blivit en av de mest återgivna bilderna genom tiderna.

Michelangelo skulle fortsätta att skulptera och, mycket mer sällan, måla för resten av sitt liv. Han fortsatte att skriva sina mycket beundrade sonnetter som ofta ägnades åt poetessan Vittoria Colonna (1490-1547 CE), även om många var klottrade på baksidan av skisser och räkningar. I det här exemplet, Sonett 151 (c. 1538-1544 CE) jämför konstnären konstens misslyckande med att förhindra döden med sökandet efter sann kärlek:

Inte ens de bästa artisterna har någon uppfattning

som ett enda marmorblock inte innehåller

inom sitt överskott, och det uppnås bara

Smärtan jag flyr från och glädjen jag hoppas på

är på samma sätt gömda i dig, underbara dam,

högt och gudomligt; men till min dödliga skada,

min konst ger resultat motsatsen till vad jag önskar.

Kärlek kan därför inte klandras för min smärta,

inte heller din skönhet, din hårdhet eller ditt hån,

eller förmögenhet, inte heller mitt öde, eller slump,

om du har både död och barmhärtighet i ditt hjärta

samtidigt, och min ödmjuka vett, fastän det brinner,

kan inte hämta något annat än döden.

(Paoletti, 404)

Det fanns också många viktiga arkitektoniska projekt, till exempel Laurentian Library, San Lorenzo, Florens (1525 CE) med sitt 46 meter långa läsesal, en triumferande kombination av estetik och funktion. Andra projekt inkluderade den nya looken Capitoline Hill i Rom (påbörjad 1544 CE), den svävande kupolen i Peterskyrkan i Rom (från 1547 CE men inte färdigställd förrän 1590 CE) för vilken Michelangelo vägrade att ta emot lön och Medici gravkapell i Florens. Passande nog, under 1500 -talet CE, blev Medici -kapellet en plats som ofta besöks av blivande konstnärer som kom för att beundra och lära av den konstnärens unika och visionära kombination av arkitektur och skulptur. Michelangelo dog den 18 februari 1564 i Rom och begravdes med mycket ceremoni i basilikan Santa Croce i Florens.

Rykte och arv

Den stora konstnären fångades själv i flera överlevande konstverk. Ett slående exempel är bronsbysten av hans landsmann Daniele da Volterra (1509-1566 CE), som skapade c. 1564 CE, bor nu i Bargello i Florens. Skulpturen är realistisk och visar den skäggiga Michelangelo med många rynkor och med den lätt platta näsan han hade burit ända sedan konstnären Pietro Torrigiano (1472-1528 CE) hade brutit den när paret var ungdomar (Torrigiano förvisades från Florens som följd ).

En mer detaljerad beskrivning av Michelangelo överlever i två biografier som skrevs under konstnärens livstid av Giorgio Vasari (1511-1574 CE) och Ascanio Condivi (1525-1574 CE). Den toskanska konstnären Vasari fullbordade sin Livet för de mest utmärkta italienska arkitekterna, målarna och skulptörerna år 1550 e.Kr. men reviderade och utökade arbetet sedan 1568. Historien är ett monumentalt register över renässanskonstnärer, deras verk och de anekdotiska berättelser som är förknippade med dem, och så anses Vasari vara en av konsthistoriens pionjärer. Den italienska konstnären Condivi var under tiden Michelangelos elev i Rom, och han skrev sin Michelangelos liv 1553 e.Kr., ett verk som övervakades av stormästaren själv (vilket kanske förklarar ett antal fiktiva eller överdrivna element).

Dessa två biografier bidrog till att upprätta Michelangelos rykte som en levande legend då medkonstnärer erkände hans geni och bidrag till konstens återupplivning under renässansen. Naturligtvis talade Michelangelos stora verk för sig själva, och de som inte kunde se dem personligen kunde beundra eller studera dem i de många gravyrer som gjordes ut i Europa. Hans berömmelse gick också utanför Europa. Sultanen från det ottomanska riket Bayezid II (r. 1481-1512 e.Kr.) hörde talas om konstnärens färdigheter och bjöd honom utan framgång till hans hov. Michelangelos verk samlades till och med, särskilt i Frankrike. Kort sagt, Michelangelo ansågs inget annat än gudomligt - ett begrepp som ofta användes för konstnären under hans livstid - och innehavare av fantastisk konstnärlig kraft, vad hans samtidiga kallade fruktansvärt. Ljuset som den store mannen kastade på västerländsk konst och arkitektur fortsatte att lysa långt efter hans död och hans arbete var särskilt inflytelserikt på utvecklingen av manismen och den efterföljande barockstilen.

Mästerverk

Pietà

De Pietà är en skildring i marmor av Jungfru Maria som sörjer över Jesu Kristi kropp som vilar över hennes knä. Färdigställd mellan 1497 och 1500 CE, arbetet beställdes av en fransk kardinal för hans grav i ett kapell i Rom. Den är 1,74 meter hög och ligger nu i Peterskyrkan. Verket kombinerar alla aspekter av skulptörens konst: en hyperrealistisk skildring av människokroppen, komplexa draperiveck, Marias fridfulla och kontemplativa ansikte, Jesu slöa lik och en komposition som påminner om norra andaktstatyer men erbjuder något som aldrig tidigare setts i italiensk konst. Att Michelangelo var mycket nöjd med resultatet framgår av anekdoten att han därefter lade till sin signatur efter att en rivaliserande konstnär hade påstått att ha skapat den.

David

Som nämnts ovan var Michelangelos erbjudande till Florens katedral en marmorskulptur av den bibliska kungen David som i sin ungdom berömt dödade den besvärliga jätten Goliat. Siffran är mycket större än livsstorlek - cirka 5,20 meter hög - och så stor att den inte kunde placeras på taket av katedralen som avsett utan istället stod på det motstående torget. Michelangelo fick cirka 400 floriner för ett arbete som han hade påbörjat 1501 CE och slutfört 1504 CE. David står nu i Accademia Gallery i Florens medan en kopia i full storlek står utomhus vid Palazzo della Signoria.

Figuren är helt vit nu men hade ursprungligen tre förgyllda element: trädstubbstödet, ett midjebälte av löv och en krans på huvudet. Den enda identifieringen att detta är en figur av David är lyftselen över figurens vänstra axel. Vidare påminner kroppens mognad för vad som verkligen borde vara en ungdom, tillsammans med figurens nakenhet, starkt om antikens kolossala statyer, särskilt Hercules. Det kan inte vara slumpmässigt att Hercules också dök upp på Florens officiella sigill. Här var alltså ett budskap inom konsten att staden trodde sig vara lika, kanske till och med den bästa av någon stad i antiken. Michelangelo har helt klart gått utöver begränsningarna i den klassiska skulpturen och skapat en figur som är påtagligt spänd, en effekt som bara accentueras av Davids furade panna och bestämda stirrande.

Sixtinska kapellet

Som nämnts fick Michelangelo i uppdrag att måla taket i det sixtinska kapellet, en byggnad som just stod färdig 1480 CE. Taket hade spruckit hårt 1504 CE och reparerades. Detta var alltså ett tillfälle att lägga till kapellets redan imponerande inredning. Michelangelo var långt ifrån angelägen om projektet som skulle uppta honom från 1508 till 1512 CE - och det var ofta hetsiga bråk med påven - men det anses idag vara ett av hans signaturverk. Freskerna är målade i mycket ljusa färger och för att hjälpa tittaren som måste stå några meter under använde Michelangelo tekniken med kontrasterande färger bredvid varandra.

Hela taket täcker ett område som mäter 39 x 13,7 meter (128 x 45 fot). De separata panelerna visar en cykel av episoder från Bibeln som berättar om skapelsen till Noas tid. Intressant nog är skapelsen av Eva den centrala panelen, inte skapelsen av Adam, även om det helt enkelt kan bero på att scenerna är kronologiska från altarväggen. Det finns också sju profeter, fem sibiler och fyra ignudi som inte har något som helst att göra med den religiösa berättelsen men som visar Michelangelos kärlek till djärvt återgivna figurer i dramatiska poser.

Arbetet blev en omedelbar framgång med nästan alla som såg det men det var några mullrande av missnöje. Den främsta invändningen var mängden nakenhet och skildringen av könsorgan i en handfull figurer. Dessutom, Den sista domen delen av kapellet, som lades till altaret mycket senare av Michelangelo mellan 1536 och 1541 CE, mottogs inte heller väl av några medlemmar av prästerskapet. Att Jesus inte hade sitt konventionella skägg och såg lite yngre ut än vanligt var speciella stridspunkter. Konstnärens grepp om väsentlig teologi, eller kanske hans bristande oro för det eftersom han noterades för sin fromhet, och utseendet på ännu fler könsorgan ledde till att några präster gick så långt att de förklarade verket som en kätteri. Det fanns till och med uppmaningar att förstöra den. Lyckligtvis för eftervärlden antogs den mer måttliga strategin för att täcka de kränkande nakenelementen. Uppgiften att retuschera freskerna fick Daniele da Volterra, och denna konstnär fick följaktligen det ganska olyckliga smeknamnet Il Braghettone eller "byxmakaren".

Moses

Som nämnts fick Michelangelo i uppdrag av Julius II 1505 CE att designa en imponerande grav för den romerska kyrkans ledare. Graven började på papper som ett grandiost monument och slutligen slutfördes graven år 1547 efter att många av de planerade extravaganserna övergavs. En överlevande är den sittande statyn av Moses skulpterad av Michelangelo som har den bibliska figuren som håller i sin stav och drar i ett imponerande långt skägg, tydligen för att visa sin vördnad för Gud. Statyn var tänkt att ses underifrån och därför införlivade Michelangelo flera optiska korrigeringar. Siffran, som mäter 2,35 meter (7 fot. 9 tum) i höjd, färdigställdes cirka 1520 CE och ligger i San Pietro in Vincoli -kyrkan i Rom.


Slaget om kentaurerna (Michelangelo)

Slaget om kentaurerna är en lättnad av den italienska renässanskonstnären Michelangelo, skapad omkring 1492. Det var det sista verket Michelangelo skapade under beskydd av Lorenzo de 'Medici, som dog kort efter dess slutförande. Inspirerad av en klassisk relief skapad av Bertoldo di Giovanni, skildrar marmorskulpturen den mytiska striden mellan lapiterna och centaurerna. Historien var ett populärt konstämne i antikens Grekland och föreslogs för Michelangelo av den klassiska forskaren och poeten Poliziano. Skulpturen ställs ut i Casa Buonarroti i Florens, Italien.

Slaget om kentaurerna
KonstnärMichelangelo
Årc. 1492
TypMarmor
Mått84,5 cm × 90,5 cm (33,3 tum × 35,6 tum)
PlatsCasa Buonarroti

Slaget om kentaurerna var en anmärkningsvärd skulptur på flera sätt, som förutspådde Michelangelos framtida skulpturala riktning. Michelangelo hade avvikit från den dåvarande praxisen att arbeta på ett diskret plan för att arbeta flerdimensionellt. Det var också den första skulpturen Michelangelo skapade utan användning av en bågborr och den första skulpturen som nådde ett sådant fullbordat tillstånd med märkena från subbia -mejseln som fick stå som en sista yta. Oavsett om det avsiktligt lämnas oavslutat eller inte, är verket betydelsefullt i traditionen med "icke finito" skulpturteknik av den anledningen. Michelangelo betraktade det som det bästa av sina tidiga verk och en visuell påminnelse om varför han borde ha fokuserat sina insatser på skulptur.


Michelangelo - Historia

David är en av de mest utsökta renässansskulpturer som gjordes under början av 1500 -talet. Detta berömda konstverk skapades av Michelangelo, en berömd italiensk konstnär. Statyn är 5,17 meter hög och är en marmorfigur av den bibliska hjälten David. Den här unge mannen var också det vanligaste ämnet inom renässanskonst, särskilt i Florens.

Höjdpunkter

Skulpturen var ursprungligen avsedd bland statyerna av profeter som var placerade vid taklinjen i den östra delen av Florens. Dessutom placerades det på det offentliga torget vid Palazzo della Signoria, som var centrum för Florens medborgarregering. På grund av den modiga naturen hos denna bibliska hjälte blev den så småningom symbolen för försvaret av de medborgerliga friheter som avbildas i den florentinska republiken.

Konstverket skiljer sig mycket från tidigare statyer gjorda av andra kända konstnärer som Verrocchio och Donatello. David av Michelangelo skildrade den unge David innan han fortsatte sin kamp med den mäktiga Goliat. Därför verkade figurens ansikte vara spänt och redo för strid istället för att segra på grund av hans fiendes nederlag.

Funktioner

Michelangelos konstverk är hans tolkning av det typiska forntida grekiska temat för en heroisk bibelfigur. Den har contrapposto -pose, som är en distinkt aspekt av antika skulpturer. Den modige David står spänt, med ett ben avslappnat medan det andra håller sin totala kroppsvikt. Därför får detta axlar och höfter att vila i motsatt vinkel. Dessutom vänder David ’s huvud mot vänster, och han bär en sele i ryggen. Med alla dessa egenskaper betraktar många människor skulpturen som en symbol för ungdomlig skönhet och mänsklig styrka.

Statyn är också ganska stor, jämfört med konstnärens samtidiga under den tiden. Faktum är att de flesta konstvetare betraktar statyn som mirakulös, eftersom Michelangelo kunde väcka liv i en känd figur som redan var död. Även om det fanns många kolossala statyer som någonsin skapats i historien, David av Michelangelo har förblivit som en av de finaste och mest imponerande.

Det är också viktigt att notera att några av funktionerna i denna staty verkade ganska stora, särskilt händer och huvud. Konstnären gjorde dock detta avsiktligt eftersom statyn var avsedd att placeras på katedralens taklinje. Således behövde han hitta ett sätt att framhäva vissa delar som skulle göra dem synliga underifrån.

Ytterligare detaljer

Denna siffra verkar ganska smal från framsidan till baksidan jämfört med dess höjd. Enligt forskare kan detta orsakas av arbetet på blocket redan innan konstnären började rista det. Dessutom betraktades statyn som en politisk bild innan han beslutade att arbeta med den.

Uppenbarligen har David länge varit den föredragna politiska bilden i hela Florens, eftersom flera konstverk som presenterade den bibliska hjälten beställdes på de flesta av de viktiga platserna i staden.

Bevarande och bevarande

1991 skadades statyn ’s fot kraftigt när en vansinnig man krossade den med en hammare. Baserat på de samlade proverna från den händelsen kunde forskare upptäcka att marmorn var hämtad från Miseglia ’s Fantiscritti -stenbrott, som var i en av Carrara ’s små dalar. Med marmorns försämring har statyn genomgått sin allra första stora rengöring, från 2003 till 2004. Fyra år efter fanns planer på att isolera skulpturen från vibrationerna som orsakas av turister ’ fotspår, för att förhindra ytterligare och allvarligare skador på marmor.

Flera reproduktioner av statyn har gjorts genom åren. Till exempel visas gipset av denna bibliska hjälte för närvarande på Victoria and Albert Museum. Denna staty har dock ett fikonblad av gips, som skapades när drottning Victoria blev chockad över statyn & nakenhet. Fikenbladet av gips hängs på figuren med två krokar, före eventuella kungliga besök.

På 1900 -talet har skulpturen blivit en ikonisk term för stadens kultur. Statyn har också reproducerats ofta, som i imitation av glasfiber i marmor och gips, vilket symboliserade en atmosfär av förfining och kultur i olika miljöer som modelljärnvägar, spelcasinon och badorter. Således är konstverket verkligen det finaste i historien på grund av sin stora storlek, intressanta detaljer och funktioner.


Arv och inflytande från Michelangelo

För eftervärlden förblev Michelangelo alltid en av de små grupperna av de mest upphöjda konstnärerna, som man, liksom William Shakespeare eller Ludwig van Beethoven, uttryckte den tragiska upplevelsen av mänskligheten med största djup och universella omfång.

Till skillnad från konstnärens stora berömmelse är deras visuella inflytande på senare konst relativt begränsat. Detta kan inte förklaras med att tveka att efterlikna en konst bara för att den verkade så stor, för konstnärer som Raphael ansågs lika stora men användes som källor i mycket högre grad. Det kan vara istället att den speciella typ av uttryck som förknippas med Michelangelo, av en nästan kosmisk storhet, var hämmande. Det begränsade inflytandet av hans verk inkluderar några fall av nästan totalt beroende, den mest begåvade konstnären som arbetade på detta sätt är Daniele da Volterra. Annars behandlades Michelangelo som en modell för specifika begränsade aspekter av hans arbete. På 1600 -talet betraktades han som den högsta i anatomisk teckning men blev mindre berömd för bredare inslag i hans konst. Medan Manneristerna utnyttjade den rumsliga komprimering som ses i några av hans verk, och senare serpentinposerna av hans skulptur av Segerutnyttjade 1800-talets mästare Auguste Rodin effekten av ofärdiga marmorblock. Vissa barockmästare från 1600-talet visar kanske den fullständigaste hänvisningen till honom, men på sätt som har förändrats för att utesluta bokstavlig likhet. Förutom Gian Lorenzo Bernini kan målaren Peter Paul Rubens bäst visa användbarheten av Michelangelos skapelser för en senare stor konstnär.


Den italienska linjen började planera nya fartyg 1958. Ursprungligen skulle de vara något större än SS Leonardo Da Vinci, som då byggdes, men jetflygplan hade ännu inte haft någon märkbar effekt på Medelhavsområdet och ett par äkta superliners verkade önskvärda, både ur kommersiell synvinkel och för att ge jobb till sjömän och varvsarbetare. Det beslutades att de nya fartygen skulle vara de största byggda i Italien sedan SS Rex 1932.

Det beslutades att boende ombord på fartygen skulle delas in i tre klasser. Av någon anledning beslutades det också att de tre längst nedsta passagerardäcken inte skulle ha några porthål. Det har hävdats att detta gjorde fartygets snygga skrovform, men det verkar osannolikt att det stämmer eftersom fartyg med liknande längd/breddförhållande har byggts med fönster längs hela skrovet. Oavsett bristerna i deras ursprungliga design, var de nya systrarna dock avancerade på den tekniska sidan. Den mest slående egenskapen på fartygen var deras Turin-polytekniskt utformade trattar, som bestod av en invecklad spaljeliknande rörledning (istället för den traditionella jämna ytan) för att tillåta vind att passera genom tratten och en stor rökavvisare på toppen . Trots kritik visade sig trattkonstruktionen vara mycket effektiv för att hålla rök från de bakre däcken. Rökavledarna blev populära inom fartygsdesign under 1970- och 1980 -talen, medan tanken på att låta vinden passera genom tratten togs upp igen i slutet av 1980 -talet och är nästan normen i modern skeppsbyggnad.

De Michelangelo interiörer designades av marinarkitekterna Nino Zoncada, Vincenzo Monaco och Amedeo Luccichenti, som gav skeppet ett mindre äventyrligt, mer traditionellt utseende än hennes systers designers. Raffaello.

Efter flera förseningar Michelangelo, under kommando av överkapten Mario Crepaz, var äntligen redo för service i maj 1965. Under havsförsöken detekterades några vibrationer på fartygets akter. Michelangelo torrdockades i december 1965 och fick nya propellrar och några ändringar av hennes transmission. Hon klockade 31,59 knop under sina efterprov, vilket gjorde henne till det femte snabbaste passagerarfartyget i världen vid den tiden.

På tisdag morgon den 12 april 1966, fem dagar efter att vi hade lämnat Genua, Michelangelo, under kommando av överkapten Giuseppe Soletti, drabbades av en ovanligt stor våg under en storm i mitten av Atlanten, som fick den främre delen av hennes överbyggnad att kollapsa eller skjutas bakåt och dödade passagerarna Dr. Werner Berndt från Hamburg, Tyskland och John Steinbach från Chicago. En besättningsmedlem, Desiderio Ferrari, dog några timmar senare och över 50 personer skadades. Bland de 1 495 passagerare ombord på denna passage var admiral Ernesto Giurati, president för den italienska linjen och tidigare chef för den italienska marinen, italiensk protokollchef, Angelo Corrias, som var på väg till en semester i staterna, den tyska romanförfattaren Günter Grass och hans fru Anna, liksom Bob Montana med sin fru och fyra barn. När reparationer utfördes efter olyckan ersattes aluminiumplätering i överbyggnaden med stålplåtar. Liknande rekonstruktion utfördes på Raffaello och andra samtida fartyg som SS Förenta staterna och SS Frankrike. [1]

I maj 1972 tog Alfred Hitchcock en resa på detta fartyg från New York till hans screening av Frenesi på filmfestivalen i Cannes.

Under de följande åren minskade antalet passagerare i den transatlantiska handeln stadigt på grund av konkurrensen från luften, och fler och fler fartyg drogs tillbaka. De Michelangelo spenderade mer tid på att kryssa till varmare vatten, men hon gjorde ett dåligt kryssningsfartyg med sina fönsterlösa stugor och tre-klass layout. Hon hade stora lidodäck som var överlägsna till och med de flesta specialbyggda kryssningsfartyg på den tiden, men det var inte tillräckligt för att kompensera för fartygets brister, och italienska Line hade inte tillräckligt med medel för att bygga om fartyget för att göra henne mer användbar kryssare. Dessutom ansågs hon vara för stor för att vara ett kryssningsfartyg enligt den tidens mått.

Italiens flaggskepp SS Michelangelo gjorde sin sista passage över Atlanten i juli 1975, under kommando av överkapten Claudio Cosulich. Efteråt lades hon upp på La Spezia tillsammans med sin syster. Flera köpare (inklusive Knut Kloster från Norwegian Cruise Line) inspekterade fartygen men ville inte köpa dem på grund av de kostnader som krävs för att modernisera dem till kryssningsfartygsstandard. Det fanns en seriös köpare, Home Lines, som ville köpa fartygen och hålla dem under italiensk flagga för kryssning i Karibien. Den italienska linjen vägrade att sälja systrarna, enligt uppgift för att de ansåg att behålla den italienska flaggan skulle ha kopplat de "pinsamma förlorarna" till dem.

År 1976 hittades en köpare som godkände de villkor som efterfrågades av Italian Line. Shahen i Iran köpte fartygen för att användas som flytande kaserner. Fartygen som hade kostat 45 miljoner dollar vardera såldes nu till priset av 2 miljoner dollar per fartyg. De Michelangelo hamnade i Bandar Abbas där hon skulle tillbringa de närmaste femton åren.

År 1978 gjordes planer på att rekonstruera henne som ett lyxkryssningsfartyg Scià Reza il Grande (till ära för Rezā Shāh). Ett expertteam skickat från Italien för att inspektera fartyget kom dock fram till att hon var för dåligt försämrad för att göra ombyggnad till ett genomförbart alternativ. Liknande planer gjordes igen 1983, men de blev också korta.

Slutligen skrotades hon i juni 1991 på Gadani skeppsbrytande varv, Pakistan. [2]


Michelangelo - Biografi och arv

Michelangelo föddes till Leonardo di Buonarrota och Francesca di Neri del Miniato di Siena, en medelklassfamilj av bankirer i den lilla byn Caprese, nära Arezzo, i Toscana. Hans mammas olyckliga och långvariga sjukdom tvingade sin far att placera sin son i vård av sin barnflicka. Barnbarnets make var stenhuggare och arbetade i sin egen fars marmorbrott.

När Michelangelo var sex år gammal dog hans mamma men han fortsatte att leva med paret och legenden säger att denna okonventionella situation från barndomen skulle lägga grunden för hans senare kärleksaffär med marmor.

När han var 13 år gammal var det klart för hans far att Michelangelo inte hade någon förmåga till familjens kallelse. Den unge pojken skickades till lärling i den välkända studion av Domenico Ghirlandaio. Efter bara ett år i studion bad Lorenzo de 'Medici från den berömda florentinska konstpatronfamiljen Ghirlandaio om två av hans bästa studenter. Michelangelo, tillsammans med Francesco Granacci, valdes att delta i Medici -familjens humanistiska akademi. Det var en blomstrande tid i renässansens Florens när konstnärer uppmuntrades att studera humaniora och framhäva sina kreativa strävanden med kunskap om antik grekisk och romersk konst och filosofi. Konsten avvek från gotisk ikonografi och andakt och utvecklades till ett stort firande av människan och hans betydelse i världen. Michelangelo studerade under den berömda skulptören Bertoldo di Giovanni och fick exponering för de stora klassiska skulpturerna i Lorenzos palats.

Under denna tid fick Michelangelo tillstånd från den katolska kyrkan Santo Spirito att studera kadaver på deras sjukhus för att han skulle få förståelse för anatomi. I gengäld huggade han dem ett träkors. Hans förmåga att exakt återge den realistiska muskeltonen i kroppen berodde på denna tidiga utbildning som framgår av två skulpturer som överlever från den tiden Madonna sittande på ett steg (1491) och Slaget om kentaurerna (1492).

Tidig utbildning och arbete

Efter döden av Lorenzo di Medici 1492 förblev Michelangelo med relativ säkerhet i Florens. Men när den florentinska staden blev inblandad i politiska oroligheter utvisades familjen Medici och artisten flyttade till Bologna. Det var i Bologna som han fick ett uppdrag att slutföra ristningen av St Dominicus grav, som inkluderade tillägg av en staty av Sankt Petronius, en knäböjande ängel som höll en ljusstake och St Proculus.

Michelangelo återvände till Florens 1494 efter att hotet om den franska invasionen avtog. Han arbetade med två statyer, Johannes döparen, och en liten amor. De Amor såldes till kardinal Riario i San Giorgio, gick bort som en antik skulptur. Även om han var irriterad över att bli lurad, var kardinalen tillräckligt imponerad av Michelangelos utförande för att bjuda in honom till Rom för ytterligare en uppdrag. För denna uppgift skapade Michelangelo en staty av Bacchus, som avvisades av kardinalen som tyckte att det var politiskt oförsiktigt att vara associerad med en hednisk nakenfigur. Michelangelo was indignant - so much so that he later asked his biographer Condivi to deny the commission was from the Cardinal and instead to record it as a commission from his banker, Jacopo Galli. The artist's impetuous nature was already garnering him the reputation of being one who indignantly did what he wanted, oftentimes eschewing his patron's wishes or failing to complete work once started.

Michelangelo remained in Rome after completing the Bacchus, and in 1497 the French Ambassador, Cardinal Jean Bilhères de Lagraulas commissioned his Pietà for the chapel of the King of France in St Peter 's Basilica. De Pietà was to become one of Michelangelo's most famous carvings, which the 16th-century biographer Giorgio Vasari, described as something "nature is scarcely able to create in the flesh." His acuity with emotional expression and lifelike realism in the piece, garnered the artist much awe and attention.

Although his status as one of the period's most talented artists following the completion of the Pietà was secure, Michelangelo didn't receive any major commissions over the next two years. Financially, however this absence of work wasn't of much concern. Wealth didn't seem to affect the artist's lifestyle. As he would say to Condivi towards the end of his life, "However rich I may have been, I have always lived like a poor man."

In 1497, the puritanical monk Girolamo Savonarola became famous for his Bonfire of the Vanities, an event in which he and his supporters burned art and books in Florence, causing a cease to what had been a thriving period of the Renaissance. Michelangelo would have to wait until Savonarola's ousting in 1498 before returning to his beloved Florence.

In 1501, his most notable achievement was born through a commission from the Guild of Wool to complete an unfinished project begun by Agostino di Duccio some 40 years earlier. This project, finally completed in 1504, was a majestic, 17-foot tall nude statue of the biblical hero David. The work was a testament to the artist's unparalleled excellence at carving breathtakingly precise depictions of real life out of inanimate marble.

Several painting commissions followed after David's completion. In particular, Michelangelo's only known finished painting that has survived, Doni Tondo (The Holy Family) (1504).

During this time of the High Renaissance in Florence, rivalries between Michelangelo and his artist peers abounded, each fighting for prime commissions and revered social status as noted masters of their fields.

Leonardo da Vinci had quickly risen to fame and the competition between he and Michelangelo was legendary. In 1503, Piero Soderini, the lifetime Gonfalonier of Justice (senior civil servant akin to a Mayor), commissioned them both to paint two opposing walls of the Salone dei Cinquecento in the Palazzo Vecchio. Both paintings were never finished and are unfortunately lost. Leonardo The Battle of Anghiari was painted over when Vasari later reconstructed the Palazzo. Michelangelo's work on The Battle of Cascina was interrupted in the preparatory drawing stage when Pope Julius II summoned him to Rome. Michelangelo was seduced by the flamboyant reputation of the patron Pope who was luring other artist peers such as Donato Bramante and Raphael to create exciting new projects. Never one to be bested by his rivals, he accepted the invitation.

Mature Period

In Rome, Michelangelo started work on the Pope's tomb, work that was to be completed within a five-year timeline. Yet, the artist would abandon the project after being cajoled by the Pope for another commission. The project was the painting of the Sistine Chapel's ceiling and rumor has it that Bramante, the architect in charge of rebuilding St. Peter's Basilica, was the one to convince the Pope that Michelangelo was the man for the job. Bramante was notoriously consumed by envy, and knowing that Michelangelo was better known for his sculptures rather than paintings, was certain that his rival would fail. He hoped this would cause the artist to fall out of popular favor. Michelangelo reluctantly accepted the commission.

Michelangelo would work on the Sistine Chapel for the next four years. It was a difficult job of extraordinary endurance, especially since the tempestuous artist had sacked all of his assistants save one who helped him mix paint. What resulted was a monumental work of great genius illustrating stories from the Old Testament including the Creation of the World and Noah and the Flood. Contrary to Bramante's hopes, it became (and remains) one of the greatest masterpieces of Western Art.

Another noted rival was the young 26-year-old Raphael who had burst upon the scene and was chosen in 1508 to paint a fresco in Pope Julius II's private library, a commission vied for by both Michelangelo and Leonardo. When Leonardo's health began to fail, Raphael became Michelangelo's greatest artistic adversary. Because of Raphael's acuity with depicting anatomy and his finesse for painting nudes, Michelangelo would often accuse him of copying his own work. Although influenced by Michelangelo, Raphael resented Michelangelo's animosity toward him. He responded by painting the artist with his traditional sulking face in the guise of Heraclitus in his famous fresco The School of Athens (1509-1511).

Following Pope Julius II's death in 1513 Michelangelo was commissioned by the new Pope Leo X to work on the façade of the Basilica San Lorenzo, the largest church in Florence. He spent the next three years on it before the project was cancelled due to lack of funds. In 1520, he received another commission for a Medici chapel in the Basilica of San Lorenzo on which he worked intermittently for the next twenty years. During those two decades, he would also complete an architectural commission for the Laurentian Library.

After the sack of Rome by Charles V in 1527, Florence was declared a republic and stayed under siege until 1530. Having worked prior to the siege for the defense of Florence, Michelangelo feared for his life and fled back to Rome. Despite his support for the republic, he was welcomed by Pope Clement and given a new contract for the tomb of Pope Julius II. It was also during this time he was commissioned to paint the fresco of the Last Judgement on the altar wall of the Sistine Chapel, a project that would take seven years.

Although a late bloomer relationship wise, at age 57, Michelangelo would establish the first of three notable friendships, sparking a prolific poetic output to add to his cadre of artistic talents. The first in 1532 was a 23-year-old Italian nobleman, Tommaso dei Cavalieri, who was not only the artist's young lover but remained a lifelong friend. The art historian, Howard Hibbard, quotes Michelangelo describing Tommaso as the "light of our century, paragon of all the world." The passionate affair provoked Michelangelo to produce a number of love poems so homoerotic in nature that his grandnephew, upon publishing the volume in 1623, changed the gender pronouns to disguise their homosexual context.

In 1536, Michelangelo found another lifelong object of affection, the widow, Vittoria Colonna, the Marquise of Pescara, who was also a poet. The majority of his prolific poetry is devoted to her, and his adoration continued until her death in 1547. He also gave her paintings and drawings, and one of the most beautiful to have survived is the black chalk drawing Pietà for Vittoria Colonna of 1546. She was the only woman who played a significant part in Michelangelo's life and their relationship is generally believed to have been platonic. During this period, he also worked on a number of architectural commissions including the Church of Santa Maria degli Angeli and the Sforza Chapel in the Basilica di Santa Maria Maggiore, as well as the Capitoline Hill. He also received commissions for two frescos in the Cappella Paolina the Conversion of St Paul, and the Crucifixion of St Peter.

In 1540, Michelangelo met Cecchino dei Bracci, son of a wealthy Florentine banker, at the Court of Pope Paul III, who was only 12 years old. The epitaphs Michelangelo wrote following Cecchino's death four years later reveal the extent of their relationship, suggesting they were lovers. In particular one, which includes the graphic allusion, "Do yet attest for him how gracious I was in bed. When he embraced, and in what the soul doth live."

Late Period

It was Pope Julius II who, in 1504, proposed demolishing the old St Peter's Basilica and replacing it with the "grandest building in Christendom." Although the design by Donato Bramante had been selected in 1505, and foundations lain the following year, not much progress had been made since. By the time Michelangelo reluctantly took over this project from his noted rival in 1546 he was in his seventies, stating, "I undertake this only for the love of God and in honor of the Apostle."

Michelangelo worked continuously throughout the rest of his life on the Basilica. His most important contribution to the project was his work upon the dome in the eastern end of the Basilica. He combined the design ideas of all the prior architects who had given input on the work, which imagined a large dome comparable to Brunelleschi's famous dome in Florence, and coalesced them with his own grand visions. Although the dome was not finished until after his death, the base on which the dome was to be placed was completed, which meant the design of the dome could not be altered significantly in its completion. Still the largest church in the world, it remains a testament to his genius and his devotion. He continued to sculpt but did so privately for personal pleasure rather than work. He completed a number of Pietàs inklusive Disposition (which he attempted to destroy), as well as his last, the Rondanini Pietà, on which he worked until the last weeks before his death.

It's been said that it takes 10,000 hours of deliberate practice to become world class in any field. Michelangelo epitomized this ideal as he started his career as a mere boy and continued working until his death at 88 years old.

His great love Tommaso remained with him until the end when Michelangelo died at home in Rome following a short illness in 1564. Per his wishes, his body was taken back to Florence and interred at the Basilica di Santa Croce.

The Legacy of Michelangelo

Along with Leonardo da Vinci and Raphael, Michelangelo is regarded as one of the three giants of the Renaissance, and a major contributor to the Humanist movement. Humanity, in both its relationship to the divine and non-secular reality was central to his painting and sculpture. He was a master at depicting the body with such technical accuracy that marble was seemingly transformed into flesh and bone. His adeptness with human emotionality and expression inspired humility and veneration. The psychological insight and physical realism in his work had never been portrayed with such intensity before. Hans Pieta, David, och den Sixtinska kapellet have been maintained and preserved and continue to draw crowds of visitors from all over the world. His lifetime achievements give credence to the title commonly bestowed to him of Il Divino (The Divine).

Michelangelo's influence on other artists was profound and has continued from Raphael in his time to Rubens, through to Bernini, and the last great sculptor to follow his tradition of realism, Rodin.

His fame, established when he was in his early twenties, has continued to our time. As for his genius look to Galileo, who claimed he was born a day earlier, to coincide with the day Michelangelo died, alluding to the assertion that genius never dies.


How Did Michelangelo Change the World?

Michelangelo changed the world by helping people view art and artists differently. His art was remarkable because of this, the world began to recognize artists and their art as important additions to society.

Prior to Michelangelo, artists did not receive individual attention or notoriety for their work. They were seen as nothing more than journeymen.

Michelangelo changed the world's opinion of artists through his extraordinary works of art. With groundbreaking art, he created some of the most revered pieces known to man his attention to detail made these works remarkable. Michelangelo was best known as a sculptor, and his infamous David, with lifelike characteristics carved in marble, is still considered a masterpiece. Other notable sculptures include Pieta, Moses, and Madonna and Child.

Michelangelo was not just a sculptor he was an important painter and prolific architect as well. His paintings are considered some of the world's greatest showpieces. These paintings include the elaborate and detailed Sistine Chapel ceiling, which includes various painted elements to form a large scheme within the Chapel. As an architect, he designed the final plans for the St. Peter's Cathedral in the Vatican.

His work is considered the beginning of the High Renaissance, a period of time where the world came to recognize and appreciate the value of visual arts.


Accomplishments

  • His early studies of classical Greek and Roman sculpture, coupled with a study of cadavers, led Michelangelo to become an expert at anatomy. The musculature of his bodies is so authentically precise that they've been said to breathe upon sight.
  • Michelangelo's dexterity with carving an entire sculpture from a single block of marble remains unparalleled. He once said, "I saw the angel in the marble and carved until I set him free." He was known as one who could conjure real life from stone.
  • The artist's feisty and tempestuous personality is legendary. He often abandoned projects midway through or played out his pride or defiance of conventionality through controversial means such as painting his own face on figures in his work, the faces of his enemies in mocking fashion, or unabashedly portraying sacred characters in the nude.
  • Michelangelo's most seminal pieces: the massive painting of the biblical narratives in the Sistine Chapel, the 17-foot tall testament to male perfection David, and the heartbreakingly genuine Pietà are considered some of the world's most genius works of art, drawing large numbers of tourists to this day.

Madonna of Bruges

De Madonna of Bruges is a marble sculpture by Michelangelo of the Virgin and Child.

Madonna and Child
KonstnärMichelangelo
År1501–1504
TypMarmor
Mått200 cm (79 in)
PlatsOnze Lieve Vrouwekerk, Bruges
Koordinater Coordinates: 51°12′17″N 3°13′28″E  /  51.20472°N 3.22444°E  / 51.20472 3.22444

Michelangelo's depiction of the Madonna and Child differs significantly from earlier representations of the same subject, which tended to feature a pious Virgin smiling down on an infant held in her arms. Instead, Jesus stands upright, almost unsupported, only loosely restrained by Mary's left hand, and appears to be about to step away from his mother. Meanwhile, Mary does not cling to her son or even look at him, but gazes down and away. It is believed the work was originally intended for an altar piece. If this is so, then it would have been displayed facing slightly to the right and looking down. The early 16th-century sculpture also displays the High Renaissance Pyramid style frequently seen in the works of Leonardo da Vinci during the late 1400s.

Madonna and Child shares certain similarities with Michelangelo's Pietà, which was completed shortly before – mainly, the chiaroscuro effect and movement of the drapery. The long, oval face of Mary is also reminiscent of the Pietà.

The work is also notable in that it was the only sculpture by Michelangelo to leave Italy during his lifetime. In 1504, it was bought by Giovanni and Alessandro Moscheroni (Mouscron), who were wealthy cloth merchants in Bruges, [1] then one of the leading commercial cities in Europe. The sculpture was sold for 4,000 florins.

The sculpture was removed twice from Belgium after its initial arrival. The first was in 1794 after French Revolutionaries had conquered the Austrian Netherlands during the French Revolutionary Wars the citizens of Bruges were ordered to ship it and several other valuable works of art to Paris. It was returned after Napoleon's final defeat at Waterloo in 1815. The second removal was in 1944, during World War II, with the retreat of German soldiers, who smuggled the sculpture to Germany enveloped in mattresses in a Red Cross truck. [2] It was discovered a year later in Altaussee, Austria within a salt mine and again returned. It now sits in the Church of Our Lady in Bruges, Belgium. This is represented in the 2014 film The Monuments Men.


The Creation of Adam, by Michelangelo

Of all the marvelous images that crowd the immense complex of the Sistine Ceiling, Adams skapelse is undoubtedly the one which has most deeply impressed posterity. No wonder, for here we are given a single overwhelming vision of the sublimity of God and the potential nobility of man unprecedented and unrivaled in the entire history of visual art. No longer standing upon earth with closed eyes and mantle, the Lord floats through the heavens, His mantle widespread and bursting with angelic forms, and His calm gaze accompanying and reinforcing the movement of His mighty arm. He extends His forefinger, about to touch that of Adam, who reclines on the barren coast of earth, barely able as yet to lift his hand. The divine form is convex, explosive, paternal the human concave, receptive, and conspicuously impotent. The incipient, fecundating contact about to take place between the two index fingers has often been described as a spark or a current, a modern electrical metaphor doubtless foreign to the sixteenth century, but natural enough considering the river of life which seems about to flow into the waiting body.

Genesis tells how the Lord created Adam from the dust of the earth and breathed into his nostrils the breath of life. This story is never illustrated literally in Renaissance art. Usually, as in Jacopo della Quercia's beautiful relief on the facade of the church of San Petronio in Bologna, which must have impressed the young Michelangelo deeply, the Creator stands on earth and blesses the already formed body of Adam, read together with the ground, since his name in Hebrew means earth. Michelangelo's completely new image seems to symbolize a still further idea - the instillation of divine power in humanity, which took place at the Incarnation. Given Cardinal Vigerio's reiterated insistence on the doctrine of the two Adams, and the position of the scene immediately after the barrier to the sanctuary, at the spot where the Annunciation customarily appeared, and after Ezekiel with his vision of the Virgin Birth, this would seem natural enough. The scene recalls the famous verses from Isaiah, "Who hath believed our report ? and to whom is the arm of the Lord revealed ? For he shall grow up before him as a tender plant, and as a root out of a dry ground . . " invariably taken by theologians to foretell the Incarnation of Christ, shoot of Jesse's rod. Two striking visual elements make clear that this was one of the passages that actually recommended to Michelangelo by his probable adviser, Cardinal Vigerio. First, the mighty right arm of the Lord is revealed, naked as in no other of His appearances on the Sistine Ceiling, nor anywhere else, as far as I have been able to determine, in all of the Christian art prior to this time. (The left arm is clothed, at least to the elbow, by a white sleeve.) Second, directly under Adam, the arm of the veiled youth to the left above the Persian Sibyl projects into the scene - a matter that involved considerable advance planning - coming as close to touching Adam's thigh as the Creator does his finger. This hand holds a cornucopia bursting with Rovere leaves and acorns, appearing to grow from the dry ground, as full of potency as Adam ("ground") is empty of it. Such an image is characteristic not only of Michelangelo, who insofar as possible preferred to show male figures, including that of Christ, completely naked, but of the Roman High Renaissance and of Julius II himself, whose language as recorded by his astonished contemporaries overflows with boasts of his own physical strength and potency.


Michelangelo Artworks

This statue of Bacchus depicts the Roman god of wine precariously perched on a rock in a state of drunkenness. He wears a wreath of ivy and holds a goblet in one hand, brought up toward his lips for a drink. In the other hand, he holds a lion skin, which is a symbol for death derived from the myth of Hercules. From behind his left leg peeks a satyr, significant to the cult of Bacchus often representing a drunken, lusty, woodland deity.

The work, one of Michelangelo's earliest, caused much controversy. It was originally commissioned by Cardinal Riario and was inspired by a description of a lost bronze sculpture by the ancient sculptor Praxiteles. But when Riario saw the finished piece he found it inappropriate and rejected it. Michelangelo sold it to his banker Jacopo Galli instead.

Despite its colored past though, the piece is evidence of Michelangelo's early genius. His excellent knowledge of anatomy is seen in the androgynous figure's body which Vasari described as having the "the slenderness of a young man and the fleshy roundness of a woman." A high center of gravity lends the figure a sense of captured movement, which Michelangelo would later perfect even further for David. Although intended to mimic classical Greek sculpture and distressed toward an antique appearance, Michelangelo remained true to what in visual human terms it means to be drunk the unseemly swaying body was unlike any depiction of a god in classical Greek and Roman sculpture. Art historian Claire McCoy said of the sculpture, "Bacchus marked a moment when originality and imitation of the antique came together."

Marble - Museo del Bargello, Florence

Pietà

This was the first of a number of Pietàs Michelangelo worked on during his lifetime. It depicts the body of Jesus in the lap of his mother after the Crucifixion. This particular scene is one of the seven sorrows of Mary used in Catholic devotional prayers and depicts a key moment in her life foretold by the prophet, Simeon.

Cardinal Jean de Bilhères commissioned the work, stating that he wanted to acquire the most beautiful work of marble in Rome, one that no living artist could better. The 24-year-old Michelangelo answered this call, carving the work in two years out of a single block of marble.

Although the work continued a long tradition of devotional images used as aids for prayer, which was developed in Germany in the 1300s, the depiction was uniquely connotative of Italian Renaissance art of the time. Many artists were translating traditional religious narratives in a highly humanist vein blurring the boundaries between the divine and man by humanizing noted biblical figures and taking liberties with expression. Mary was a common subject, portrayed in myriad ways, and in this piece Michelangelo presented her not as a woman in her fifties, but as an unusually youthful beauty. As Michelangelo related to his biographer Ascanio Condivi, "Do you not know that chaste women stay fresh much more than those who are not chaste?"

Not only was Pietà the first depiction of the scene in marble, but Michelangelo also moved away from the depiction of the Virgin's suffering which was usually portrayed in Pietàs of the time, instead presenting her with a deep sense of maternal tenderness for her child. Christ too, shows little sign of his recent crucifixion with only slightly discernible small nail marks in his hands and the wound in his side. Rather than a dead Christ, he looks as if he is asleep in the arms of his mother as she waits for him to awake, symbolic of the resurrection.

A pyramidal structure signature to the time was also used: Mary's head at the top and then the gradual widening through her layered garments to the base. The draped clothing gives credence to Michelangelo's mastery of marble, as they retain a sense of flowing movement, far removed from the typical characteristic of stone.

This is the only sculpture Michelangelo ever signed. In a fiery fit of reaction to rumors circulating that the piece was made by one of his competitors, Cristoforo Solari, he carved his name across Mary's sash right between her breasts. He also split his name in two as Michael Angelus, which can be seen as a reference to the Archangel Michael - an egotistical move and one he would later regret. He swore to never again sign another piece and stayed true to his word.

De Pietà became famous immediately following its completion and was pivotal in contributing to Michelangelo's fame. Despite an attack in 1972, which damaged Mary's arm and face, it was restored and continues to inspire awe in visitors to this day.

Marble - St. Peter's Basilica, Vatican City, Rome

David

This 17 foot tall statue depicts the prophet David, majestic and nude, with the slingshot he used to kill Goliath, slung victoriously over one shoulder.

The piece was commissioned by the Opera del Duomo for the Cathedral of Florence, a project that was originally meant to be a series of sculptures of prophets for the rooftop. Although David's familiarity stems from the classic religious tale, the statue became not only a rendition of the tale, but a symbol for the new Florentine Republic of its defiant independence from Medici rule.

Considered one of Michelangelo's great masterpieces. An exquisite example of his knowledge of anatomy can be seen in David's musculature, his strength emphasized through the classical contrapposto stance, with weight shifting onto his right leg. A sense of naturalism is conveyed in the way the body stands determined, a confident glare on the young man's face. The top half of the body was made slightly larger than the legs so that viewers glancing up at it or from afar would experience a more authentic perspective. The realism was seen as so powerful that Vasari praised it as Michelangelo's "miracle. to restore life to one who was dead."

During the Early Renaissance, Donatello had revived the classical nude as subject matter and made a David of his own. But Michelangelo's version, with its towering height, is unmistakably the most iconic version. As was customary to Michelangelo and his work, this statue was simultaneously revered and controversial.

The plaster cast of David now resides at the Victoria and Albert Museum. During visits by notable women such as Queen Victoria, a detachable plaster fig leaf was added, strategically placed atop the private parts.

On another occasion, a replica of David was offered to the municipality of Jerusalem to mark the 3,000th anniversary of King David's conquest of the city. Religious factions in Jerusalem urged that the gift be declined because the naked figure was considered pornographic. A fully clad replica of David by Andrea del Verrocchio, a Florentine contemporary of Michelangelo, was donated instead.

Galleria dell'Accademia, Florence - Marble

Doni Tondo (Holy Family)

Holy Family, the only finished panel painting by the artist to survive, was commissioned by Agnolo Doni for his marriage to Maddalena Strozzi, daughter of a powerful Tuscan family, which gives it its name. It portrays Jesus, Mary, Joseph, and an infant John the Baptist. The intimate tenderness of the figures governed by the father's loving gaze emphasizes the love of family and divine love, representing the cores of Christian faith. In contrast, the five nude males in the background symbolize pagans awaiting redemption. The round (tondo) form was customary for private commissions and Michelangelo designed the intricate gold carved wooden frame. The work is believed to be entirely by his hand.

We find many of the artist's influences in this painting, including Signorelli's Madonna. It is also said to have been influenced by Leonardo's The Virgin and Child with St Anne, a cartoon (full scale drawing) that Michelangelo saw while working on his David in 1501. The nude figures in the background are said to have been influenced by the ancient statue of Laocoön och hans söner (the Trojan priest) attributed to the Greek sculptors Agesander, Athenodoros and Polydorus, which was excavated in Rome in 1506 and publicly displayed in the Vatican.

Yet influences aside, the piece is distinctly Michelangelo, an example of his individualism, which was considered very avant-garde for the time. It was a significant shift from the serene, static rendition of figures depicted in classical Roman and Greek sculpture. Its twisting figures signify enormous energy and movement and the vibrant colors add to the majesty of the work, which were later used in his frescos in the Sistine Chapel. The soft modelling of the figures in the background with the focused details in the foreground gives this small painting great depth.

This painting is said to have laid the foundations of Mannerism which in contrast to the High Renaissance devotion to proportion and idealized beauty, preferred exaggeration and affectation rather than natural realism.

Tempera on panel - Galleria degli Uffizi, Florence

Adams skapelse

This legendary painting, part of the vast masterpiece that adorns the Sistine Chapel, shows Adam as a muscular classical nude, reclining on the left, as he extends his hand toward God who fills the right half of the painting. God rushes toward him, his haste conveyed by his white flaring robe and the energetic movements of his body. God is surrounded by angels and cherubim, all encased within a red cloud, while a feminine figure thought to be Eve or Sophia, symbol of wisdom, peers out with curious interest from underneath God's arm. Behind Adam, the green ledge upon which he lies, and the mountainous background create a strong diagonal, emphasizing the division between mortal he and heavenly God. As a result the viewer's eye is drawn to the hands of God and Adam, outlined in the central space, almost touching. Some have noted that the shape of the red cloud resembles the shape of the human brain, as if the artist meant to imply God's intent to infuse Adam with not merely animate life, but also the important gift of consciousness.

This was an innovative depiction of the creation of Adam. Contrary to traditional artworks, God is not shown as aloof and regal, separate and above mortal man. For Michelangelo, it was important to depict the all-powerful giver of life as one distinctly intimate with man, whom he created in his own image. This reflected the humanist ideals of man's essential place in the world and the connection to the divine. The bodies maintain the sculptural quality so reminiscent of his painting, carrying on the mastery of human anatomy signature to the High Renaissance.

Many subsequent artists have studied and attempted to imitate parts of the work for what art historians Gabriele Bartz and Eberhard König called its "unprecedented invention." It is also one of the most parodied of Michelangelo's works, seen as humorous inspiration for The Creation of Muppet by artist James Hance in homage to Muppets creator Jim Henson used in the title sequence of the television arts program The Southbank Show borrowed from for the promotional poster for Steven Spielberg's movie ET and derived from for artist TasoShin's The Creation of Mario in homage to Miyamoto's contribution to Nintendo games.

Fresco - Sistine Chapel, Vatican City, Rome

Moses

This grand epic sized statue depicts Moses seated regally to guard the tablets written with the Ten Commandments. His expression is stern, reflecting his anger at seeing his people worshipping the golden calf on his return from Mount Sinai.

Michelangelo's reputation following the sculpture of David reached Pope Julius II in Rome who commissioned the artist to come and work on his tomb. The ambitious artist initially proposed a project of over 40 figures. Yet In the final structure the central piece became this sculpture of Moses. Not only has he rendered the great prophet with a complex emotionality, his work on the fabric of Moses' clothes is noted for its exquisite perfection and look of authenticity. Again, he managed to craft a visage of seeming real life out of stone.

Pope Julius II famously interrupted Michelangelo's work on the tomb so that he could paint the Sistine Chapel. The final tomb wasn't finished until after the Pope's death in 1513, to be finally completed in 1545.

This sculpture has been at the center of much analysis, with Sigmund Freud having purportedly spent three weeks in 1913 observing the emotions expressed by the sculpture, concluding it was a supreme vision of self-control. Part of the controversy hinged around what appear to be horns protruding from Moses' head. While some see them as symbolic of his anguish, others believe them to hearken to a Latin mistranslation of the Bible in which instead of rays of light illuminating the radiance of Moses, he appears to be growing horns. This can stem from the Hebrew word Keren, which can mean 'radiated light' or 'grew horns.'

The work was eventually housed in the church of San Pietro in Vincoli in Rome where Pope Julius II had been Cardinal.

Marble - San Pietro Vincoli, Rome

The Last Judgement

This fresco covers the entire altar wall of the Sistine Chapel and is one of the last pieces in the seminal building that was commissioned by Pope Clement VII when Michelangelo was 62. In it we see the Second Coming of Christ as he delivers the Last Judgement. The monumental work took five years to complete and consists of over 300 individual figures. The scene is one of harried action around the central figure of Christ, his hands raised to reveal the wounds of his Crucifixion. He looks down upon the souls of humans as they rise to their fates. To his left, the Virgin Mary glances toward the saved. On either side of Christ is John the Baptist and St Peter holding the keys to heaven. Many of the saints appear with examples of their sacrifices. Particularly interesting is St Bartholomew, martyred by the flaying of his skin, the face on which is said to be a self-portrait of Michelangelo. The saved souls rise from their graves on the left helped by angels. On the right, Charon the ferryman is shown bringing the damned to the gates of Hell. Minos, assuming the role Dante gave him in his Inferno, admits them to Hell. Another noteworthy group are the seven angels blowing trumpets illustrating the Book of Revelation's end of the world.

In usual Michelangelo fashion, the artist depicted the traditional scene with elements of controversy, particularly by rendering its subjects nude with extremely muscular anatomies. His rendition of a beardless Christ was unusual for the time, as was the use of figures from pagan mythology. Vasari reports that the Pope's Master of Ceremonies, Biagio da Cesena, called it a disgrace "that in so sacred a place there should have been depicted all those nude figures, exposing themselves so shamefully." Michelangelo, angry at the remark, is said to have painted Cesena's face onto Minos, judge of the underworld, with donkey's ears. Cesena complained to the Pope at being so ridiculed, but the Pope is said to have jokingly remarked that his jurisdiction did not extend to Hell.

materials - Fresco, Sistine Chapel, Vatican City

The Deposition

This piece is not only sculpturally complex and indicative of Michelangelo's genius, but it carries layers of meaning and has sparked multiple interpretations. In it, we see Christ the moment after the Deposition, or being taken down from the cross of his crucifixion. He is falling into the arms of his mother, the Virgin Mary, and Mary Magdalene, whose presence in a work of such importance was highly unusual. Behind the trio is a hooded figure, which is said to be either Joseph of Arimathea or Nicodemus, both of whom were in attendance of the entombment of Christ, which would follow this event. Joseph would end up giving his tomb for Christ and Nicodemus would speak with Christ about the possibility of obtaining eternal life. Because Christ is seen falling into the arms of his mother, this piece is also often referred to as a pieta.

The multiple themes alluded to in this one piece: The Deposition, The Pieta, and The Entombment are further emphasized by the way Michelangelo carved it. Not only is it life like and intense with realism, it was also sculpted so that a person could walk around to observe and absorb each of the three narratives from different perspectives. The remarkable three-dimensionality allows the group to interact within each of the work's meanings.

The work is also a perfect example of Michelangelo's temperament and perfectionism. The process of making it was arduous. Vasari relates that the artist complained about the quality of the marble. Some suggest he had a problem with the way Christ's left leg originally draped over Nicodemus, worrying that some might interpret it in a sexual way, causing him to remove it. Perhaps Michelangelo was so particular with the piece because he was intending it for his own future tomb.

In 1555, Michelangelo attempted to destroy the piece causing further speculation about its meaning. There is a suggestion that the attempted destruction of the piece was because Nicodemus, by reference to his conversation with Christ about the need to be born again to find everlasting life, is associated with Martin Luther's Reformation. Michelangelo was known to be a secret sympathizer, which was dangerous even for someone as influential as he was. Perhaps a coincidence, but his Lutheran sympathies are given as one of the reasons why Pope Paul IV cancelled Michelangelo's pension in 1555. One of Michelangelo's biographers Giorgio Vasari also mentions that the face of Nicodemus is a self-portrait of Michelangelo, which may allude to his crisis of faith.

Although Michelangelo worked on this sculpture over a number of years he was unable to complete it and gave the unfinished piece to Francesco Bandini, a wealthy merchant, who commissioned Tiberio Calcagni, a friend of Michelangelo's, to finish it and repair the damage (all except for replacing Christ's left leg).

Marble - Museo dell'Opera del Duomo, Florence

Pietà Rondanini

Pietà Rondanini is the last sculpture Michelangelo worked on in the weeks leading up to his death, finalizing a story that weaved through his many Pietas and now reflective of the artist's reckoning with his own mortality. The depiction of Christ has changed from his earlier St. Peter's Pieta in which Christ appeared asleep, through to his Deposition, where Christ's body was more lifeless, to now, where Christ is shown in the utter pain and suffering of death. His mother Mary is standing in this piece, an unusual rendition, as she struggles to hold up the body of her son while immersed in grief.

What's interesting about this work is that Michelangelo abandoned his usual perfection at carving the body even though he worked on it intermittently for over 12 years. It was a departure that so late in his prolific career signified the enduring genius of an artist whose confidence would allow him to try new things even when his fame would have allowed him to easily rest upon his laurels. The detached arm, the subtle sketched features of the face, and the way the figures almost blend into each other provide a more abstracted quality than was his norm, and all precursors of a minimalism that was yet to come in sculpture. The renowned sculptor Henry Moore later said of this piece, "This is the kind of quality you get in the work of old men who are really great. They can simplify, they can leave out. This Pietà is by someone who knows the whole thing so well he can use a chisel like someone else would use a pen."

This sculpture's importance was ignored for centuries, including its disappearance from public discourse until it was found in the possession of Marchese Rondanini in 1807. It has since excited many modern artists. The Italian artist Massimo Lippi is quoted as saying that modern and contemporary art began with this Pietà, and the South African painter, Marlene Dumas, based her Homage to Michelangelo (2012) on this work.


Titta på videon: Michelangelo Biography: Who Was This Guy, Really? Art History Lesson (Augusti 2022).